lunes, 21 de agosto de 2017

momentazo #425: peliculón

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 Maestra vida (Rubén Blades, 1980)

FOLK
LATINA - ópera salsa

Blades demuestra el alcance de su ambición, más allá de todo lo imaginado. Ya había conseguido darle un revolcón a los ritmos latinos al vestirlos de la elegancia del prestigio con su mensaje panamericano y su trasfondo social. Ahora se enfrentaba a un nuevo reto, las alturas inalcanzables de la literatura seria. Para ello se mete en el fregado de escribir dos discos (o uno doble, depende de la edición) dedicados a la vida de Manuela y Carmelo. Una historia de amor que narra los entresijos de toda una vida con sus glorias y sinsabores. Un díptico indivisible en el que una parte no se entiende sin la otra. En definitiva, la primera ópera salsa original, una obra profunda y emocionante de las que te tocan bien dentro.




 

El primer disco, su portada así lo anuncia, narra el amanecer de la relación, con el culmen en el nacimiento de su hijo Ramiro. El segundo, y la portada tampoco miente, se centra en el ocaso de sus vidas y es por tanto más triste y taciturno, más lírico si se quiere. En ambos destaca una cosa que puede costar digerir, las conversaciones de los personajes que narran la historia, descendientes de nuestros protagonistas y de los amigos de estos. Estas charlas entre rones y cervezas nos muestran a auténticos actores, Blades entre ellos, que hacen su papel a la perfección y en todo momento, llamándose por sus nombres en medio de la canción, creyéndose su historia y haciéndonosla creer. Al principio pueden chocar y sonar impostados, pero tras unas cuantas escuchas te convencen por completo.

Un díptico indivisible en el que una parte no se entiende sin la otra. La primera ópera salsa original, una obra profunda y emocionante de las que te tocan bien dentro
 
Musicalmente "Maestra vida" también tiene un poder enorme. Sin embargo a veces parece que este aspecto va un poco a remolque de unas letras que son las que mandan e imponen, constriñendo las posibilidades melódicas. Tal vez por eso el disco esté por debajo de obras más logradas como "Siembra" (1978) o "Buscando América" (1984). Aún así, ese escaloncito, esa desventaja es equilibrada por la enorme estatura y ambición de una obra inigualable e inigualada. Este disco te exige tiempo y atención pero a cambio te va a descubrir una forma nueva de escuchar música. Algo a lo que ya estábamos acostumbrados en el rock con álbumes como "Tommy" (1969) o "Quadrophenia" (1973) de The Who, pero totalmente inédito en la música latina. Y además añade la calidez de una música envolvente y una historia que al hispanohablante le va a llegar mucho más. García Márquez y los grandes resuenan aquí en cierta forma. Me ha costado verlo, pero esto es grandioso.

la interzona #134: guitarra tormenta

La Muñeca de Sal & Los Profetas (La Muñeca de Sal, 2013)

ROCK
Resultado de imagen de muñeca de sal profetasALTERNATIVO - post-rock / versiones

La Muñeca de Sal rindiendo tributo a grandes clásicos patrios y extranjeros con éxito variable. En todo momento mantienen sus coordenadas estilísticas intactas, cosa digna de alabanza, aunque sea también una losa que pesa demasiado por momentos para levantar unas canciones obligadas y forzadas a encajar en los patrones cuadriculados de su rock matemático.


Un disco que funciona como curiosidad para voyeurs insaciables

Las colaboraciones son de relumbrón, destacando un Corcobado para el que Leonard Cohen siempre ha sido un alma gemela, un Sr. Chinarro efectivo a pesar del francés, unos Llum muy interesantes y un Fernando Alfaro solvente con el catalán. Algo más encorsetados veo a Tórtel, Nacho Vegas o Joaquín Pascual. Nada memorable en un disco que funciona como curiosidad para voyeurs insaciables.


La Muñeca de Sal se muestra profesional y aguerrida pero con un exceso de piloto automático que colabora en la hipnosis pero también afea unas composiciones que en muchos casos brillarían con una brida más suelta. No se trataba de eso en este caso, lo sé, pero... Al menos se destapan con fuerza en los dos instrumentales de cosecha propia que usan para abrir y cerrar el disco. Curioso artefacto.




tótem #103: el melocotonazo y la música del diablo

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Álbum: Here's Little Richard
Artista: Little Richard
Año: 1957
Productor: Bumps Blackwell
Sello: Specialty

1. Tutti Frutti
2. True, Fine Mama
3. Can't Believe You Wanna Leave
4. Ready Teddy
5. Baby
6. Slippin' and Slidin'

7. Long Tall Sally
8. Miss Ann
9. Oh Why
10. Rip It Up
11. Jenny, Jenny
12. She's Got It

ROCK
ROCK & ROLL

Un negro mariquita tocando la música del diablo. Muy bonito no debía verse esto en la puritana Norteamérica de los 50. No resulta extraño que llegara Elvis y pasara lo que pasó. Aún así, el tiempo ha pasado y ha puesto las cosas en su sitio. A Elvis no hay quien lo mueva de su pedestal, merecidamente a pesar de todo, pero a mi negro afeminado hay que hacerle otro monumento. Uno que pueda cantar sus alabanzas como merece, si es que eso es posible. Por su carrera, por su vozarrón y por este disco increíble.


Esto fue su debut en LP y en menos de media hora ya sentó las bases de un género que aunque no inventó si que le cambió los pañales. La música negra se torna en un animal vibrante de saxos tórridos y un piano ardiente pensado para ser tocado de pie. Puro punk avant la letre que era capaz de poner patas arriba cualquier auditorio y hacer enloquecer a una juventud ávida de referentes que sacudieran los convencionalismos. Little Richard no era precisamente la referencia que la timorata Norteamérica blanca quería para sus hijos, por eso el artista era visto como el mismo demonio y no contó con ninguna facilidad en su carrera. Si se acabó imponiendo fue por vehemencia y su demoledora calidad artística.

Un poder que ha cruzado los decenios y cruzará eones de tiempo para erigirse siempre en una de las mejores cosas de esta vida. Punto

'Here's Little Richard' no es que sea un mito del rock & roll, ES el rock & roll. Así de simple y así de duro. Tanto como la demencia que Ricardito escupe ante el micro, esa mezcla de locura y seguridad en unas dotes sobrehumanas. Nadie ha cantado jamás como él, eso lo sabe bien hasta Lemmy, adorador confeso del predicador. Y muy pocos, si los hay, han podido igualar la erupción volcánica que sacude tus altavoces tantos años después, con tanto bagaje a nuestras espaldas. Parece imposible que un disco de ¡¡¡1957!!! pueda sonar así, pueda dejarte clavado al asiento intimidado por un sonido tan bárbaro, para inmediatamente impulsarte a saltar y bailar sin poderte resistir a un poder que ha cruzado los decenios y cruzará eones de tiempo para erigirse siempre en una de las mejores cosas de esta vida. Punto.


Curiosidades

- Lo dijo bien claro. En su familia no gustaba el rhythm & blues. Eran más de Bing Crosby  y Ella Fitzgerald. Esa fue su formación musical, aunque siempre supo que había algo más fuerte, que lo llenara más. "No sabía dónde encontrarlo hasta que me dí cuenta de que estaba en mí".


- "I call my music the healing music… It makes the blind feel that they can see, the lame feel that they can walk, the deaf and dumb that they can hear and talk." (Little Richard)




domingo, 20 de agosto de 2017

jurado popular #51: entre algodones

Love / Decay (The Elliots, 2011)

Resultado de imagen de love decay elliots"Los conocí de rebote, formaban parte de la banda sonora del episodio de una serie que como el grupo, prometía mucho y se quedó en poco. Tiene temazos donde saben mantener bien la tensión y explotarla como Hold On y Homebound. El resto de canciones, si bien presentan transiciones y arpegios bastante originales, no llegan a su punto álgido por culpa de la voz. No es que el cantante sea malo, para nada, es que a mi parecer quiere estar demasiado presente en el disco, y acaba por endulzar en exceso todas las canciones. En definitiva, al disco le falta un poquito más de Decay. 6/10." (Barbanegra)




"Poco he podido averiguar de este grupo en internet. Según parece son suecos y el hecho de que haya tan poca información me hace pensar que no muy famosos. Eso estaría bien si no fuera porque se justifica por sí mismo. Y es que, para mi gusto, no aportan mucho a una escena saturadilla de grupos como este.

A mí me suenan como una versión descafeinada de The National, con lo bonito y sin la tensión. Demasiado sosos y almibarados para que me encandilen, aunque admito que se echa un buen rato al calorcillo de temas como "Don't Look Back", "Search and Disbelief", "Love Will Break Us" y, sobre todo, "Hold On", que es un buen pepino, vaya que sí. El disco en su conjunto, una cosita agradable pero sin chispa. 6/10" (La Ranra)












"Me han sonado mucho a The Killers, Kings of Leon y The Cure. Tienen buenas intenciones, cuidados arreglos, pero caen en demasiada melancolía y llanto fácil. Buenas canciones como Hold On, dont loock back, When Evil happens, o Homebound, cuyo bajo del comienzo es un calco de Fascination Street de The Cure, pero en definitiva un querer y no poder que se deja escuchar, pero sin chispa. 6/10" (Mr Noise)






jueves, 17 de agosto de 2017

la interzona #133: deshechos como témpanos de hielo

Nocturnal (Amaral, 2015)
POP / ROCK
Resultado de imagen de amaral nocturnalPOP DE GUITARRAS - pop engolado
 
Amaral se tiran para el lado de la oscuridad. Sin pasarse, claro, manteniendo intactas sus señas de identidad, para bien o para mal. El resultado es su mejor disco. Así de claro. Puede competir sin achicarse en canciones con "Estrella de mar" (2002) y como mínimo lo iguala en cuanto al bloque. Y encima tiene esa "Lo que nos mantiene unidos", una canción que es un sueño, la invocación perfecta de los mejores U2. Sí, han existido alguna vez.

El resultado es su mejor disco. Así de claro. Puede competir sin achicarse en canciones con "Estrella de mar" (2002) y como mínimo lo iguala en cuanto al bloque
 
Lo mejor del álbum es su sonido, potente, con pegada y empaque, otorgando seriedad a un rock que siempre ha tonteado en demasía con lo accesorio y lo pomposo. Aquí sigue habiendo de eso, cómo no, pero se me presenta más diluído en una mezcla que me convence mucho más que en otras ocasiones. A veces siento la tentación de llamar a esto post-punk, imagínense hasta dónde me han engañado.

 

"Nocturnal" no es ninguna maravilla, pero es capaz de congraciarme con un grupo que nunca ha sido la panacea pero que se me aparecía más perdido de lo habitual en sus últimos trabajos. "Llévame muy lejos", "Unas veces se gana y otras se pierde", "Nocturnal", "La ciudad maldita", "En el tiempo equivocado"... Sí, con todas las pegas que se le achaquen, el negro les sienta de maravilla. Lástima que, como de costumbre, se pasen con el minutaje. No hacían falta catorce canciones.



momentazo #424: equilicuá

Resultado de imagen de kiko veneno echateÉchate un cantecito (Kiko Veneno, 1992)
POP
FLAMENCO / LATINA - rumba


Disco enorme. La enormidad de lo cotidiano. Del mundo al barrio, del barrio al hogar y del hogar al dormitorio. Un microcosmos en el que no hay besos en la ducha, ni pelos, ni nada. Un torrente de lucidez ilimitada; de pop, flamenco y rock. Un barrio en el que Bob Dylan y Joselito van a comprar el pan y son saludados como héroes. La gente sencilla, las palabras justas y la música que sale desde dentro, de verdad.



Lobo López, puede que lo que tú sabes lo sepa un tonto cualquiera, pero ¡cómo lo cuentas, colega! El mundo como debería ser.



miércoles, 16 de agosto de 2017

momentazo #423: las tierras imperecederas

Avalon (Roxy Music, 1982)
POP / ROCK
A.O.R. - art rock

Resultado de imagen de roxy avalonSe despiden Roxy Music y lo hacen a lo grande. Las voces no siempre bienintencionadas llevaban años asociándolos con ese rock adulto que tanta grima ha dado siempre. Pues si eso es así, este disco no hace más que darle prestigio al género. Porque si hay tan siquiera una pizca de A.O.R. aquí, cosa que no tengo tan clara, sería del tipo que yo asocio a cosas como el fastuoso "Aja" (Steely Dan, 1977) con el que comparte espíritu y clase.


Por lo demás "Avalon" no deja de ser un disco de Roxy Music, o de Bryan Ferry si me apuran, y uno muy bueno, de lo mejor que hayan construído. Un disco sin desperdicio y con mucha miga, con una solidez a prueba de bomba y de aburrimiento. Las canciones así lo atestiguan: pura seda y pura emoción. La portada también tiene su historia, no podía ser de otra forma, y sigue en la tónica de siempre, es decir, usa una modelo de relumbrón una vez más. Sí, debajo de ese casco y ese halcón está Lucy Helmore, novia y futura esposa de Ferry. Y lo que observa en lontananza es la costa oeste de Irlanda, un precioso lugar en el que Ferry estuvo trabajando en el álbum y que le inspiró la idea de ese Avalon, el reino mitológico del rey Arturo.


Como el reino perdido es un trasunto otoñal, una idea crepuscular que se me antoja preciosa para enfocar un disco como este en el que el concepto, la intención y el resultado se dan la mano

Una idea romántica que empasta de manera genial con el concepto de un álbum que no es sino una despedida, un punto y aparte. Como el reino perdido es un trasunto otoñal, una idea crepuscular que se me antoja preciosa para enfocar un disco como este en el que el concepto, la intención y el resultado se dan la mano como pocas veces se ha hecho en la historia de la música. Así da más pena que esto se acabe, aunque como todo en esta vida tiene que acabarse. Hasta siempre entonces.