martes, 28 de abril de 2009

tótem #5: el silencio de dios


Título: El séptimo sello (Det sjunde inseglet)
Director y guionista: Ingmar Bergman
Año: 1957
Duración: 96 min.


Bergman es lo que tiene. Te engancha como a un tontito. A poco que te intereses por la imaginería y el pensamiento de este creador tan personal quedarás prendado para siempre de su mundo negro y sus obsesiones primarias, desoladoras, enormes. Está claro que nunca se le ha considerado un optimista. Eso queda palpable con películas de la negrura de "El séptimo sello". En ella se nos acerca a un momento histórico en el que la muerte caminaba por la tierra invadiendo todos los ámbitos de la vida cotidiana. Me refiero a la gran plaga, la peste negra que asoló Europa en el siglo XIV. Parece un momento idóneo para lanzarse al carpe diem feroz, aunque para Bergman es mejor para hacerse las preguntas de siempre. El caballero cruzado (un enorme Max Von Sydow) trata de engañar a la muerte en una partida de ajedrez que solo sirve para alargar lo inevitable. Mientras, atraviesa aldeas e iglesias invadidas por el miedo cegador de un cristianismo castrante que ve en la epidemia una oportunidad única de aumentar su poder a través del miedo a la condena. En este ambiente de pensamiento único destaca el pensamiento lúcido, libre y despreocupado de Juan, el escudero. Un hombre rudo con mucho más que decir de lo que parece a simple vista. Es la sencillez del hombre salvaje. La bondad real por encima de la que predican los charlatanes.

¿Qué hay después? Es la pregunta desesperada del caballero. Nadie puede contestarle. Ni Dios, ni Satán, ni la misma Muerte. En su partida desesperada consigue algo más que alargar su agonía. Consigue distraer a la parca mientras José y María, la pareja de alegres comediantes, escapan con su hijo Miguel. Todo un regalo que asoma en la forma de la dosis de alegría y esperanza mínimas a las que Bergman nos acostumbra. Cuando todo está negro y los ángeles tocan las trompetas del apocalipsis aún queda un hálito de esperanza representado por estos tres personajes que parecen sobrevivir a una humandad corrompida y llena de miedos y odios. Parece que al fin y al cabo hay un futuro.

viernes, 24 de abril de 2009

tótem #4: fast 'n bulbous



Título
: Trout Mask Replica
Artista: Captain Beefheart & His Magic Band
Año: 1969
Sello: Straight Records, Reprise

Cara 1
  1. "Frownland" – 1:41
  2. "The Dust Blows Forward 'n the Dust Blows Back" – 1:53
  3. "Dachau Blues" – 2:21
  4. "Ella Guru" – 2:26
  5. "Hair Pie: Bake 1" – 4:58
  6. "Moonlight on Vermont" – 3:59
Cara 2
  1. "Pachuco Cadaver" – 4:40
  2. "Bills Corpse" – 1:48
  3. "Sweet Sweet Bulbs" – 2:21
  4. "Neon Meate Dream of a Octafish" – 2:25
  5. "China Pig" – 4:02
  6. "My Human Gets Me Blues" – 2:46
  7. "Dali's Car" – 1:26
Cara 3
  1. "Hair Pie: Bake 2" – 2:23
  2. "Pena" – 2:33
  3. "Well" – 2:07
  4. "When Big Joan Sets Up" – 5:18
  5. "Fallin' Ditch" – 2:08
  6. "Sugar 'n Spikes" – 2:30
  7. "Ant Man Bee" – 3:57
Cara 4
  1. "Orange Claw Hammer" – 3:34
  2. "Wild Life" – 3:09
  3. "She's Too Much for My Mirror" – 1:40
  4. "Hobo Chang Ba" – 2:02
  5. "The Blimp (mousetrapreplica)" – 2:04
  6. "Steal Softly thru Snow" – 2:18
  7. "Old Fart at Play" – 1:51
  8. "Veteran's Day Poppy" – 4:31

Llega la hora de la verdad. La hora de destapar secretos inconfesables. Decir que adoras este disco siempre sonará pretencioso. ¿Quién te crees que eres? me podría decir cualquiera. No, no es que sea muy normal este compendio de blues beodo, jazz campestre y libérrimo, experimentos vocales, atonalidad y demás abstracciones de difícil identificación. Eso lo asumo.

También es cierto que lo que diga John Peel va a misa y si suelta que "si hay algo en la historia de la música popular que pudiera ser descrito como obra de arte de tal forma que la gente involucrada en otras áreas del arte lo entendiera como tal, es probable que 'Trout Mask Replica' sea esa obra", lo mínimo que podemos hacer es acercarnos a él con curiosidad y actitud positiva.

El disco representa la atracción de lo desviado. Con su mezcla bizarra e iconoclasta de estilos irreconocibles y las letras herméticas aunque enormes de Don Van Vliet (Captain Beefheart), nos ofrece una inmersión en terreno inexplorado. Los músicos vivieron en el campo durante los ensayos de las complicadas piezas de Van Vliet y se entregaron a la práctica incansable durante unas 14 horas diarias. La idea de Van Vliet era que la banda "viviera" el disco. Se puede decir que lo logró con creces aunque tuvieran que arriesgar la salud. No solo la física como se puede comprobar tras escuchar unos segundos de esta música. Música que ha herido de muerte a Tom Waits y los cabecillas del post-punk entre muchos otros.


Creo que ha quedado claro que no es un disco fácil precisamente. Puede que por eso pueda afirmar que me gusta este álbum. Con locura. Por todo esto y por ese extraño aliento que me empuja a tararear lo intarareable, que me conmueve con ese "Well" a capela, que me invita a cantar eso de "My smile is stuck / I cannot go back t' yer froownlaaaand!!!". A pleno pulmón.

Curiosidades

- La "Magic Band" se componía por gente con nombres tan sugerentes como "Zoot Horn Rollo" (guitarra), "Rockette Morton" (bajo), "Drumbo" (batería), "Antennae Jimmy Semens" (guitarra), y "The Mascara Snake" (clarinete).

- Según la leyenda, el Capitán construyó estas canciones ayudándose de dibujos de diversas tonalidades que usaba para explicar a sus músicos lo que quería. Esto es solo un ejemplo del carácter pictórico de una obra que a menudo ha sido comparada con el movimiento dadaísta. Según la wikipedia el dadaísmo está "caracterizado por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando un anti-arte". Véase lo que Van Vliet y sus compinches hacen con las melodías y la instrumentación. ¿Rock dadá?

- Frank Zappa fue el productor.

- Esta foto de Paris Hilton con una copia del disco se ha hecho relativamente famosa por la red. Choca el contraste entre la superficialidad probada de la chica y la hondura y dificultad del CD que sostiene satisfecha. ¿Será seguidora de nuestro ínclito amigo? O simplemente ¿no sabe ni lo que tiene entre las manos? Misterio sin resolver.

miércoles, 22 de abril de 2009

tótem #3: masoch, heroína y el ángel negro

Título: The Velvet Underground And Nico
Artista: The Velvet Underground
Año: 1967
Sello: Verve

1. Sunday Morning
2. I'm Waiting for the Man
3. Femme Fatale
4. Venus in Furs
5. Run Run Run
6. All Tomorrow's Parties

7. Heroin
8. There She Goes Again
9. I'll Be Your Mirror
10. Black Angel's Death Song
11. European Son


No creo que haya un disco que merezca el apelativo de totémico más que este debut de la Velvet. Desde el mismo envoltorio hasta los últimos estertores eléctricos de "European Son", todo este brebaje perverso tiene una vida propia, un estatus legendario.

La banda se formó en 1964 cuando Lou Reed entró en contacto con John Cale. Sterling Morrison a la guitarra y Angus McLise a la batería completarían esta primitiva formación. Este último duraría poco y no llegaría ni a la grabación de este estreno para el que ya contaban con el baqueteo característico de Maureen Tucker. Su mezcla de ruído, distorsión y letras de temática escabrosa como las drogas, el sadomasoquismo o el travestismo no llamó la atención de casi nadie. Hasta que un tal Andy Warhol se fijó en ellos y los convirtió en algo así como la banda residente de la Factory. Antes de grabar el primer álbum, la banda se embarcó en un espectáculo itinerante ideado por Paul Morrisey, el Exploding Plastic Inevitable. Este consistía en un show de luces, bailarinas y proyecciones acompañados por la música estridente y brutal que empezaban a pergeñar.

Lo misterioso de este disco radica en cómo, a pesar de ser descatalogado poco después de ser editado por su poca repercusión, ha logrado influir a tantos grupos y movimientos de pelaje tan diverso. Se puede decir sin temor a exagerar que ha sido el instigador directo del punk, el art rock, el glam, la música siniestra, el noise, el movimiento independiente de los 80, 90 y qué se yo. Sí, este es el responsable de que todo aquél que, tras su edición, se haya acercado a la música desde una perspectiva arty, descarada o maldita haya acabado formando un grupo.

Los jugos venenosos que rezuma siempre estarán ahí. La liturgia se abre con "Sunday Morning" y su melodía dulce y perversa, del tono que encontraremos en joyas "delicadas" del calibre de "Femme Fatale", "There She Goes Again" o "I'll Be Your Mirror"; la parte urbana del asunto se nos presenta con la suciedad primitiva de "Waiting for the Man", oda a ritmo de rock machacón a la eterna espera del adicto por su dosis, y es ampliada y potenciada por la visceralidad de "Run Run Run"; "Venus in Furs" es una de las piezas centrales del disco por el uso del violín eléctrico de Cale que con su belleza planeadora y agreste nos remite a ambientes exóticos para enmarcar un sadomasoquismo sin máscara ni trampa; otra sería "All Tomorrow's Parties" con una Nico amenazante y gélida como el acero; y la última sería "Heroin", auténtica clave junto A "Venus..." del sonido de la banda, con su ritmo cardiaco y su aceleración psicótica. Estos tres clásicos ya darían entidad de joya a este disco, pero es que hay más. Las dos piezas que quedan son las más arriesgadas. "Black Angel's Death Song" es un recitado abstracto y frenético sobre una base de violín eléctrico que deja sin aliento. Como sin aliento deja el cierre, "European Son", que empieza a ritmo de rock & roll espectacular y termina anegado en electricidad y feedback. Un muro impenetrable para cerrar un disco abrumador.

Un álbum que se beneficia de la participación de Nico, la cual no se repetiría en ocasiones sucesivas. Esta diferencia le otorga un toque único, aunque no todos en el grupo lo entendieran en su momento. Sin duda, gran parte del helor fantasmal que recorre las grietas de The Velvet Underground And Nico se debe a la aportación severa, incólume de la teutona. Es solo un detalle que hace que la palabra "irrepetible" deba estar reservada para obras como esta. Si es que hay alguna.

Curiosidades
- The Exploding Plastic Inevitable (EPI) fueron una serie de espectáculos multimedia ofrecidos por Andy Warhol entre 1966 y 67 y que consistían en conciertos (o experiencias aurales) de The Velvet Underground And Nico, proyecciones del propio Warhol y bailarines al son de la música. Las luces estroboscópicas ayudaban a crear un ambiente irreal y catártico rayando lo obscenamente soportable.

- El sonido del álbum está en buena parte influído por las ansias experimentales de John Cale, músico de formación clásica influido por las vanguardias de La Monte Young, John Cage y el movimiento Fluxus.

- El disco es conocido popularmente como el "Banana Album" por la atrayente y controvertida portada diseñada por Warhol. Se trata del famoso plátano pop con un letrero que nos anima a pelarlo. En la edición original del vinilo se trataba de una pegatina que al retirar mostraba un fálico plátano rosa.




jueves, 16 de abril de 2009

tótem #2: "el mal rompe sus cadenas y corre por el mundo como un perro enloquecido"


Título: Fanny y Alexander (Fanny och Alexander)
Director: Ingmar Bergman
Año: 1982
Duración: 188 min.

Fanny y Alexander es una obra nostálgica y amarga. Toda su ambientación, su discurso y su lento discurrir es pura poesía en movimiento. Sentimientos poderosos sacados a la luz y ocultos en los oscuros recovecos del alma. Es un enfrentamiento del hombre con un Dios injusto. Un enfrentamiento entre la calidez navideña de los tonos rojos del hogar de los Ekdahl y el blanco impávido, severo y gélido del "palacio" episcopal. Un enfrentamiento entre la alegría de la promiscuidad socialmente aceptada y la inversión sexual oculta y esbozada. Bergman sigue sin ofrecer respuestas a sus preguntas pero eso no hace más que aumentar el deleite que proporciona su creación postrera.

Recuerdos cálidos y agrios sobre la muerte, el amor y la disciplina férrea capaz de atormentar y mostrar cómo desaparece la delgada linea entre el amor y el odio.

Alexander ve el fantasma de su padre muerto. Si a Hamlet le reveló el nombre de su asesino, a Alexander no parece ofrecerle solución a sus preguntas, tan solo un pequeño alivio en la oscuridad de una vida que tiene que empezar a vivir con su hermana, su madre y un padrastro que lo ama no con "un amor ciego ni atolondrado", sino con uno "rígido y fuerte". Al final, también se le aparece el fantasma del obispo con su pesada cruz al cuello. "No te librarás de mí tan fácilmente". Está claro, siempre queda la esperanza, aunque no podemos esperar que esta dure mucho. Como mucho, un ratito en medio de la noche, perdidos en el taller de títeres de un prestidigitador mefistofélico. O tal vez alimentando la imaginación con las historias que dibuja en la pared una linterna mágica. O puede que durmiéndonos mientras la abuela nos recita un poema. Un instante para atesorar.

Curiosidades

- La acción se desarrolla en Uppsala, ciudad sueca de relativa importancia, o en una basada en esta ciudad.
- En su origen el proyecto fue concebido como una serie para televisión. Esta dura 312 min. y se divide en 5 capítulos. Ni que decir tiene que contiene escenas que, aunque no la he visto, estoy seguro que aclararán las elipsis de la película.

miércoles, 15 de abril de 2009

tótem #1: música ácida para corazones sensibles

Tótem: Objeto de la naturaleza, generalmente un animal, que en la mitología de algunas sociedades se toma como emblema protector de la tribu o del individuo, y a veces como ascendiente o progenitor.

Esto según el diccionario de la RAE. Sabemos que metafóricamente se puede referir a cualquier elemento que por su calidad, aura o atracción puede ser elevado a la categoría de mito. Algo legendario. Pues eso.


Título : Blonde on Blonde
Artista: Bob Dylan
Año: 1966
Discográfica: CBS

1 Rainy Day Women #12 & 35
2 Pledging My Time
3 Visions of Johanna
4 One of Us Must Know (Sooner or Later)

5 I Want You
6 Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again
7 Leopard-Skin Pill-Box Hat
8 Just Like A Woman

9 Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine
10 Temporary Like Achilles
11 Absolutely Sweet Marie
12 Fourth Time Around
13 Obviously Five Believers

14 Sad-Eyed Lady of the Lowlands

Abrimos la sección con el vértigo que produce calificar la OBRA MAESTRA del MAESTRO. No se trata de cualquier cosa este disco que fue el primer álbum doble de la historia y que, aún hoy, sigue levantando pasiones entre los fanáticos del Bardo de Minnessotta y entre los oyentes casuales que deciden aproximarse a su obra y no saben por dónde empezar.

Dentro de su abundante e irregular discografía creo que Blonde on Blonde es lo mejor y más perfecto que Dylan haya creado. Y eso que tiene cimas celestiales del calibre de Highway '61 Revisited, Bringing It All Back Home o Blood on the Tracks sin ir más lejos. Difícil elección que se inclina hacia el 66 porque el disco que nos ocupa es más completo, contiene más grandeza si cabe que las obras mencionadas, entendiendo por grandeza una aspiración a la belleza inmarchitable, clásica. Y eso que esto de obra clásica tiene bien poco. Es totalmente rupturista. En primer lugar ofrece un sonido ácido que se beneficia de un uso de los teclados desbordado y sabio y un empleo de los ticks del rock y el blues nunca vistos. Y en segundo lugar, las letras conforman, quizá, el mejor ejemplo de maridaje entre literatura y rock. Auténtica poesía automática que trata de explicar lo inexplicable, que encuentra sin buscar y que se desborda en imágenes-río de imposible contención. Sí, "Visions of Johanna", "Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine", "Fourth Time Around" o "Sad-Eyed Lady of the Lowlands" son pura ambrosía que apabullan por acumulación. No busquen significados cerrados. Con Bob no es posible. Ni este disco va sobre sus problemas con el sexo femenino, ni trata de explicar nada. O quizá sí. Por eso es tan grande. Por lo poco que pretende y lo mucho que consigue.

El disco no deja de ser la culminación de ese "sonido de mercurio salvaje" que venía rondando por la cabeza de Dylan y que buscaba sin descanso en la trilogía que iniciara Bringing It All Back Home (65), continuara con Highway '61 Revisited (65) y se cerrara con este Blonde on Blonde (66). La plasmación en plástico de los aquelarres sonoros practicados en conciertos como Newport '65 o la accidentada gira británica posterior. Un sonido que se cerraba con este disco. Una obra maestra por derecho propio. Un misterio por resolver que espero, sé, que nunca se resolverá.

Curiosidades:
- Este fue el primer disco de Dylan en el que participaron miembros de lo que sería The Band. Sin embargo, solo la guitarra de Robbie Robertson se incluiría finalmente en la mezcla. El apoyo sonoro vendría dado por músicos profesionales de Nashville que en ningún momento tuvieron mucha idea de por donde iban los tiros con las intenciones del cantautor.

- Tras la publicación del doble álbum, Dylan sufrió un misterioso accidente de moto del que se sabe muy poco y que le valió para apartarse de una vida pública que, sin duda, empezaba a resultarle insoportable.

- Resulta intrigante la aparente inexistencia de material gráfico en forma de videos o fotos sobre la grabación del disco. Un misterio que no hace sino aumentar su leyenda.


domingo, 12 de abril de 2009

nazismo y pop



Desde la época dorada del punk el nazismo siempre ha ejercido un influjo contradictorio y (perdónenme) sugerente en el mundo de la música popular. No solo las propuestas más extremas han coqueteado con la imaginería nazi, también grupos supuestamente más sensibles o incluso vanguardistas han encontrado atractivos los emblemas del totalitarismo. Algunos se han refugiado en la ambigüedad para dotar su imagen de misterio y tr
uculencia. Otros han creado elegías por las víctimas. En cualquier caso aquí señalo unos ejemplos mínimos de esta, cuando menos, interesante alianza.

(Que nadie vea ambigüedad alguna por mi parte. Abiertamente declaro mi absoluta condena y repulsa por este movimiento pseudo-político más parecido a una religión que a otra cosa)



Captain Beefheart & His Magic Band - Dachau Blues (69)

En el 69 Don Van Vliet ofreció una obra maestra de difícil digestión.
Trout Mask Replica se llamaba el artefacto. El corte tres es este blues truncado que juega en su título con el nombre del campo de concentración situado al norte de Múnich. Lamentablemente no he encontrado la canción para que la degustéis, pero aquí dejo la letra, auténtica poesía.


Dachau blues those poor jews
Dachau blues those poor jews
Down in Dachau blues, down in Dachau blues
Still cryin' 'bout the burnin' back in world war two's
One mad man six million lose
Down in Dachau blues down in Dachau blues
Dachau blues, Dachau blues those poor jews
The world can't forget that misery
'n the young ones now beggin' the old ones please
t' stop bein' madmen
'fore they have t' tell their children

'bout the burnin' back in World War Three's
War One was balls 'n powder 'n blood 'n snow
War Two rained death 'n showers 'n skeletons
Danced 'n screamin' 'n dyin' in the ovens
Cough 'n smoke 'n dyin' by the dozens
Down in Dachau blues
Down in Dachau blues
Three little children

with doves on their shoulders
Their eyes rolled back in ecstasy cryin'
Please old man stop this misery
They're countin' out the devil
With two fingers on their hands
Beggin' the Lord don't let the third one land
On World War Three
On World War Three


Joy Division - Warsaw (77)

Esta canción habla de Rudolph Hess. En la letra se menciona el nº de prisonero que se le asignó tras su detención, 31G 350125. El nombre del grupo ya tenía su miga, ya que venía del grupo de mujeres judías usadas como esclavas sexuales en los
campos de concentración nazis.

Siouxsie & the Banshees - Israel (80)

No viene exactamente a cuento pero sí tiene relación. Siouxsie compuso esta canción como disculpa por haber usado con tanta frecuencia símbolos nazis en los primeros tiempos del grupo.

Slayer - Angel of Death (86)

La apoteosis en esta toma en directo de la apertura del glorioso Reign in Blood. Se supone que es un canto de alabanza a Mengele, el carnicero de Auschwitz, el Ángel de la Muerte del título. No queda claro, aunque viendo la trayectoria de los californianos parece más bien una exposición cruda de violencia desmedida. Nada que temer, aunque voten republicano.

Laibach - Life Is Life (87)

Los eslovenos traducen el clásico de Opus al lenguaje ultranacionalista a base de voz gutural y vientos de himno nacional. Nada sutil como el video que acompaña. Si se ahonda en la historia del grupo se comprobará que su ideología se parece algo más al anarquismo aunque no lo parezca y buscan epatar a base de contradicción mezclando elementos de la propaganda nazi con la iconografía soviética. Unas joyitas con miga.

Fernando Alfaro y los Alienistas - Queda expulsado de la especie humana (07)

Terrible canto al holocausto para el que tampoco hay sonido. Ahí va la letra. La canción está incluída en Carnevisión.

El tiempo del lobo es el reverso de la verdad,
cada segundo en esa otra realidad
hay como un jucio final.
Por tanto, intentando despojar a aquella gente de su humanidad
se queda usted fuera,
expulsado de la especie humana.
Y la secta, la nueva ciencia, rapta bebés de corta edad
y se hacen chupar el sexo
por el instinto de mamar. La guerra acaba,
lo dicen muchos,
muy pronto todo acabará.
Ya está muy cerca el ejército ruso,

muy pronto todo acabará
Huele tan raro todo este humo,
muy pronto todo acabará.

Doctor Menguele,
doctor Horroris Causa.
No queda tiempo, hay que experimentar sin pausa,
y los niños en sus bracitos,

el virus de la humanodeficiencia humana.

El buen doctor, el médico bueno, el que les curará
y les quitará el miedo.

Y a lo sumo quedará humo, e
l que oscurece la mañana y el futuro.

Es lo que quedará de cada uno,
sólo una leve sombra de humo.

Pero antes de matarlos despojabais
a esa gente de su humanidad.

Se queda usted fuera,
expulsado de la especie humana.
Antes de morir les obligabais a matar
y a perder la condición humana.

Se queda usted fuera, expulsado de la especie humana.
"Las matanzas de hoy son mentira",

sois vosotros los que sois mentira.
"Las torturas de hoy son mentira",
sois vosotros los que sois mentira.
No lo hicieron otros, lo hicimos nosotros,

cualquiera de nosotros pudo haber estado allí.
"Yo cumplía ordenes", "creía en el mensaje",

"me lavaron el cerebro", "yo sólo estaba allí".
"Yo para salvar la vida sólo un día más

metí a mis paisanos en la cámara de gas",
"el miedo me sacó a Belcebú de mi interior",
"yo sólo lo hice por vivir algo mejor".

"Nadie lo sabría, me iban a matar

y todo recuerdo se iba a incinerar".
Como esta canción, ya la van a sepultar
y toda la culpa nadie la recordará.
Millones de muertos desde dentro
de la tierra
gritan en un coro cuatridimensional
de millones de muertos desde dentro de la tierra

que gritan en un coro cuatridimensional

de millones de muertos desde dentro de la tierra
que gritan en un coro cuatridimensional
de millones de muertos desde ...

Klaus & Kinski - Mengele y el amor (08)

Otra vez el siniestro personaje en una canción de amor. Un bolero nada típico aunque precioso. Hiela la sangre eso de "me gustaría probar sobre tu tersa piel, el efecto fatal de un potente abrasador".

Atari Teenage Riot - Hetzjagd Auf Nazis! (95)

"Der neunte Schuss ging sauber durch die Stirn" ("el 9º disparo atravesó directamente la frente")
Así reza la escueta letra de este himno anti-nazi de los disidentes berlineses. "¡Cacemos a los Nazis!". Claros y concisos desde el corazón y las entrañas de Germania.

miércoles, 8 de abril de 2009

rock de adamantio

Su nombre suena a éxito. No en vano siempre irá asociado a un puñado de discos fundamentales de los últimos 80 y los 90. Quedará para siempre como el productor de Surfer Rosa (Pixies, 88), Rid of Me (PJ Harvey, 93) o In Utero (Nirvana, 93), por nombrar los primeros que me vienen a la mente. Claro que dotar a estas joyas de la pegada sónica que las caracteriza no es lo único que podemos destacar del currículum de Steve Albini.



Su pasión por la música queda patente en la honestidad con la que siempre ha gestionado la militancia en las bandas en las que ha estado y de las que ha sido motor y guía. Con variaciones, su música siempre se ha desarrollado desde los ángulos más escorados del rock en todas sus vertientes más secas y crudas. He aquí un suculento resumen de algunos momentos destacados.

Los proyectos del productor dorado del rock alternativo han sido numerosos y han mantenido un subyugante grado de impacto. Empezó con
Big Black, El "gran negro", conjuradores de la pesadilla post-industrial, el inicio de las posibilidades. Padres del hardcore, del rock industrial, de todo lo árido que esconde el pavor. El big bang, la espiral, el agujero negro del sonido extremo. La formación la completaban david michael riley: bass, melvin belli: guitar grrr, º: guitar skinng & santiago durango: drums. Destacaría sus dos discos clásicos: Atomizer (86) y Songs About Fucking (87) de los que he seleccionado un par de temazos.



Posteriormente se embarcó en sonoridades igualmente ruidosas y embaucadoras con
Rapeman. Solo un álbum largo y muchos problemas con el nombrecito que ayudaron a establecer un punto y aparte. Los terroristas de esta banda eran: Steve Albini (guitar, vocals), David Wm. Sims (bass), Rey Washam (drums). El disco se llamó Two Nuns and a Pack Mule (88)



Del parón salió
Shellac. Menos industriales y más acorazados desde un post-core dotado de una contundencia atávica y patrones rítmicos más lentos, más marcados y más avasalladores. La nave que lleva al productor al futuro de un rock que confiesa su amor por AC/DC mientras se da la mano con Sonic Youth o Fugazi y golpea de una forma nueva e implacable. Son: Steve Albini (guitar, vocals), Todd Trainer (drums), Bob Weston (bass). A destacar: At Action Park (94), Terraform (98), 1000 Hurts (00) y Excellent Italian Greyhound (07)



Se autodefinen como trío de rock minimalista. Pues, sí, mínimo y a la encía.