viernes, 29 de julio de 2016

momentazo #302: ojos que intentan



Living Eyes (Radio Birdman, 1981)

Resultado de imagen de living eyes radioGrabado en 1978 y publicado en 1981 tras una de las disoluciones de la banda, este disco es un gran ejercicio de punk rock en toda regla en el que amplían su paleta arriesgándose a diluirse en la masa y sonar más domesticados. No fue así finalmente si los comparamos con sus coetáneos aunque sí que se pierde algo del filo de antaño.

Lo primero que destaca del álbum es que el toque Stooges/MC5 es adornado con el hálito de unos Ramones que ya estaba tardando en aflorar. Al fin y al cabo son grupos afines todos y no es extraño que resuene su influencia en "More Fun" o "455 SD" entre otras.


En defnitiva un gran disco de ruptura con un equilibrio magnífico entre lo fresco y lo metálico. En él recuperan temas primerizos y los regraban haciéndolos más duros y limpios pero quitándoles esa dosis de roll que los hacía tan adictivos. Un problema muy menor que no afecta a la calidad de un disco que nos hace lamentarnos de que este grupazo haya sido tan efímero. Efímero e intenso como una llamarada.

momentazo #301: el vergel desvirgado



La estatua del jardín botánico / Rompeolas (Radio Futura, 1981)

Resultado de imagen de estatua jardin botanicoDisco capital en el devenir de una de las bandas más importantes que ha dado este país. "La estatua del jardín botánico" marcó el antes y el después en su carrera. Se trata de una canción única que enterraba de una paletada toda la euforia locaza de la Movida para inaugurar un hermetismo que, aún a riesgo de acercarse a lo esnob, abría toda una paleta de posibilidades por explorar.

La poesía raruna de Santiago Auserón no es plato del gusto de todo el mundo pero no se le puede negar su personalidad. Una personalidad que renace y se asienta a partir de esta canción, un canto no se sabe bien a qué, pero que en su conjunción de imágenes nos inspira una reflexión sobre la parálisis, la exuberancia y el futurismo de una sociedad, un movimiento cultural o simplemente un estado mental. O tal vez no. ¿Cómo saberlo? ¿Y qué importa? No puede importar cuando seguimos prendidos del misterio y la hipnosis de esa tonada con un estribillo tan seco que es casi arisco y no podemos quitarnos de la cabeza ese andamiaje guitarrístico que marcaría el futuro de uno de los instrumentistas más imaginativos e innovadores de este país, el infravalorado Enrique Sierra. Una canción que cambia la melodía por la letanía y lo predecible por lo desviado. Una joya totalmente atípica en cualquier panorama musical.


La otra cara es otra cosa. "Rompeolas" rebaja el valor de este single aunque se agradezca su insustancialidad, y encandile con su indudable pegada pop. Cada vez que la escucho me deja descolocado. No creo que nunca logre averiguar si me gusta o no. Como esa portada, ese sillón tan tonto, tan desubicado, tan naif, tan odioso. Por lo menos no cometieron el error de meter la canción titular en ningún LP. No hubiera estado cómoda de ninguna manera y habría visto dañados su aura, su poder, su individualidad salvaje. Todo lo que la ha convertido en un hito. Antes de ella el grupo era algo totalmente diferente. Después de ella trataron de alcanzar su belleza vidriosa y eterna. Y casi lo consiguen... Pero no, era imposible.

momentazo #300: heavy rising sun



Made in Japan (Deep Purple, 1972)

Resultado de imagen de made in japanPara el número 300 teníamos que guardar algo especial, y me parece bastante justo dedicárselo a uno de los directos más míticos de la historia. Un mito con demasiada leyenda tal vez, pero mito al fin y al cabo. 

Para empezar decir que esto no es un concierto íntegro de la banda sino un resumen de su gira nipona del 72. Las grabaciones se escogieron de entre las más impactantes de sus actuaciones en Osaka y Tokio durante tres días. Aún con esta ventaja (bastante habitual por otra parte) debo afirmar que fueron tres días gloriosos. No me queda otra ante tamaña demostración de poder. Una banda conjuntada, encendida y a pleno galope que encuentra en eso los pocos peros que se le pueden achacar a este clásico. Y es que considerarlo una obra maestra tal vez sea excesivo. No sé, demasiado riff de hormigón, demasiados gritos aguileños que chirrían, demasiadas tonterías y en definitiva, muy poco aire. Todo esto lo hace una obra asfixiante que no da un respiro hasta que llegan los primeros segundos de "Lazy" (cuando el disco ya lleva 46 minutos). Esa es su grandeza y su flaqueza, pero honestamente, este álbum impone. Y mucho me temo que siempre lo hará.

miércoles, 27 de julio de 2016

la interzona #79: la modernez



Música moderna (Radio Futura, 1980)

Resultado de imagen de musica moderna radioEl estreno de Radio Futura es un disco clave para definir eso que se ha llamado la Movida. Aún así queda muy lejos del sonido que identificaría a la banda diferenciándola del resto. Más que el disco de debut del grupo se podría considerar un prólogo a su carrera.

El disco se moldea gracias a la fuerza motriz de Herminio Molero, compositor e ideólogo de estos primeros momentos del grupo. No en vano siete de sus diez temas son suyos. Después de este estreno tanto él como Pérez Grueso abandonarían la banda dejando el núcleo duro que la llevaría a la gloria.

A pesar de estos datos no quiero que parezca que este álbum haya significado un esfuerzo futil. Muestra retazos muy interesantes y una oscuridad que ya anuncia el misterio posterior. El primer tramo es muy bueno aún coleando impotente entre ruiditos horterillas de maquinitas imposibles. La idea de electrificar ese pasodoble que es en realidad "Enamorado de la moda juvenil" es tremendamente ingeniosa y los vapores tóxicos de temas como "Ivonne", "Cinco semanas en globo" o "Jarama" son intrigantes como mínimo. También hay que destacar la genial versión de T. Rex, "Divina", un auténtico himno que nunca se marchitará.


Lo peor es el bajón del tramo final entre la experimentación y la boutade. Si sumamos todo, el resultado es un disco interesante y muy extraño. Más si cabe si lo comparamos con los siguientes pasos en su carrera. Una carrera que para muchos empieza realmente con el single que seguiría, el maravilloso "La estatua del jardín botánico". Ahí estaban ya los hermanos Auserón al frente empezando a moldear una carrera ejemplar y modélica en la historia de nuestra música.

domingo, 17 de julio de 2016

tótem #89: la bestia del pantano


Álbum: Radios Appear
Artista: Radio Birdman
Año: 1977
Productor: John Sayer, Charles Fisher
Sello: Trafalgar

  1. "TV Eye"
  2. "Murder City Nights"
  3. "Anglo Girl Desire"
  4. "Man with Golden Helmet"
  5. "Descent into the Maelstrom"
  6. "Monday Morning Gunk"
  7. "Do the Pop"
  8. "Love Kills"
  9. "Hand of Law"
  10. "New Race"
Radio Birdman, pioneros del punk en Australia, se estrenan con un LP a la vez deudor e influyente y los muestra inmaculados en su obsesión con The Stooges y MC5. Mugre de la buena en el que puede ser mejor disco de rock & roll de Australia, uno de los mejores debuts de todos los tiempos y, seamos osados, el mejor disco de punk de la historia. Si los Sex Pistols tenían el vitriolo y los Clash el posicionamiento, Radio Birdman demuestran ser los más carnales de todos.

Abren fuego con todas sus deudas sobre la mesa para fulminarlas. Una versión flamígera de todo un "TV Eye" de Iggy y los suyos que deja poco para la imaginación y a la vez es la forma más honesta de presentarse. Sin miedo al qué dirán ni al encasillamiento, hacen suya la canción a base de velocidad y metralla vocal por parte de ese animal llamado Rob Younger. Una introducción salvaje que nos prepara el cuerpo para una montaña rusa de rock & roll bastardo, con duelos de guitarras a lo MC5, refrendados en ese homenaje que ejecutan a base de robar parte del solo de "Looking at You" (MC5, 1970) en "Descent into the Maelstrom".

Una virulencia sónica que sólo descansa en un par de puntos destacadísimos. El medio tiempo que es "Man With Golden Helmet" invoca claramente a los Doors y se permite el lujo de incluir un piano que no choca en medio del caos sino que aporta matices y maravilla en un interludio que es casi jazz. El otro punto de fuga sería "Love Kills", lo más parecido a una balada para un grupo que se destapa lleno de sutileza, lo que acaba haciéndolo monstruosamente grande.

Radio Birdman, ese secreto oculto, tuvo una carrera muy corta. Se consumió en llamas tras dos discos. Este es el primero y el mejor. Tan perfecto que duele. En él todo suena al máximo. El amor, el asesinato y el abismo en un documento esencial de punk & roll tórrido y pantanoso. AC/DC se llevaron la gloria pero en este país inmenso que es de por sí un continente había muchas más razones para vibrar. The Saints, Nick Cave o estos paganos divinos en continuo estallido con un pie en el asfalto y la vista en las estrellas.

Curiosidades

-  No se reconoce a menudo pero Blue Öyster Cult fue una de las influencias importantes en los inicios del grupo. La prueba está en el título de este álbum, sacado de una de las canciones de los norteamericanos.

- La colisión entre las ideas de los Birdman y el productor John Sayers creó una tensión de la que sin duda se benefició la grabación. Según parece el productor era un nostálgico del hippismo que no acababa de entender el modus operandi de estos terroristas sonoros.

- Como era costumbre en la época se publicó a posteriori una edición para fuera de Australia. En este caso variaba en no pocos cortes y en la portada, que a mi juicio perdió el carácter icónico y la brutalidad de la australiana.






viernes, 15 de julio de 2016

momentazo #299: en pie de guerra



The Hope Six Demolition Project (PJ Harvey, 2016)

Cambia el campo de batalla pero no el diagnóstico ni la medicina. El sucesor del beligerante y reivindicativo "Let England Shake" (2011) es un disco digno pleno de fuerza e inspiración. Polly Jean cambia simplemente el escenario. La Gran Guerra y su Inglaterra natal se transforman en Afganistán, los Balcanes y Washington DC. Una muestra de la multiplicidad de heridas y dolores que pueblan un planeta enfermo y de difícil curación.

Con un estilo muy parecido al explorado en el disco anterior, pero dando algo más de peso a las guitarras, la Harvey vuelve a denunciar y a acusar, poniendo el dedo en algunas de las llagas del mundo en el que vivimos. Las políticas de vivienda de carácter antisocial, la guerra y sus consecuencias o la pobreza endémica son temas recurrentes a lo largo del disco. Un disco que se parió tras la estancia de la artista en los lugares mencionados anteriormente. El resultado lo atestigua con claridad. Nada de turismo casual hay aquí. El sentimiento y la verdad que transmiten estas canciones está fuera de toda duda.

Curiosamente el público pudo asistir a las sesiones de grabación del álbum. Un movimiento atrevido por parte de esta artistaza que daba la oportunidad de presenciar las entrañas del proceso creativo. Toda una osadía que no extraña porque viene de alguien valiente como pocos en esto de la música. PJ Harvey se expone y cosecha loas y alguna crítica. Hay quien le achaca que en esta obra se exponen muchos problemas pero no se ofrecen soluciones. Pero realmente, ¿es esta la misión del artista? Juzguen ustedes. En cualquier caso, una nueva demostración de poder por parte de una creadora irreductible con un catálogo que habla por sí solo, una discografía que grita a los cuatro vientos que a la de Dorset no le queda ya nada por demostrar.

miércoles, 13 de julio de 2016

momentazo #298: mamando el blues



Safe As Milk (Captain Beefheart & His Magic Band, 1967)

En su prodigioso debut, Don Van Vliet se empecina en mostrar al mundo su versión del rhythm & blues y lo hace sin intermediarios. Para ello bebe directamente de la fuente. Nada de Animals, ni Cream, ni The Who. Se deja envenenar por Howlin' Wolf y Muddy Waters para regurgitar esta cosa mucho más rugosa, ruda y crujiente que lo que se venía haciendo por las islas británicas al fusionar el blues y el rock.

"Safe As Milk" es el extraño título de una obra extraña. Bizarra pero directa y clara. Sobre todo al compararla con inventos futuros del Capitán y sus huestes. Aquí se permite el lujo de encandilar con ritmos potentes y vertiginosos como en las fundacionales "Zig Zag Wanderer" y "Electricity", e incluso tontear con maravillas casi pop 50s como "I'm Glad". Sería la única vez y por eso este puede ser el disco más querido de Van Vliet. Por mantener un hálito de cordura en medio de un vértigo psicótico incipiente y tímido pero muy revelador.


Sí, aún siendo fanático de obras posteriores como "Trout Mask Replica" (1969) o "Lick My Decals Off Baby" (1970), reconozco que esta es la que más me hace disfrutar. Duración más que ajustada y canciones vibrantes y directas con su puntito bizarro pero sin llegar al dadaísmo de las obras mencionadas. Por todo esto puede que "Safe As Milk" sea la mejor obra de nuestro ínclito amigo. Y si no es la mejor sí que es la que recomendaría para entrar en su mundo. Un mundo muy poco recomendable, eso también.

momentazo #297: el deseo de arder



Burn My Eye (Radio Birdman, 1976)

Todo el poder chulesco y salvaje de Detroit ya se encuentra encerrado en estos surcos primigenios de los australianos. Una energía incipiente pero sólida como una bofetada que no renuncia a mostrar otras cartas con la ingenuidad del fan amoroso. Así, aparte del protopunk iguanesco mencionado se les escapa a borbotones el toque stoniano ("Snake") y el carmín entre esputos de los New York Dolls ("Burned My Eye"). He dicho ingenuidad pero cuidado: aquí no hay nada de dudas, sino un grupo con las ideas tan claras como su personalidad. Una auténtica apisonadora en un EP para enmarcar.

"'Cos you're never alone with a Smith and Wesson, baby"

domingo, 10 de julio de 2016

momentazo #296: contre l'ethnocentrisme



Live (Rachid Taha, 2001)

Taha en su estado natural. Una grabación que constata el poder de este James Brown del desierto, de este Joe Strummer del Magreb. Un directo que se instala en lo más alto de su discografía para convertirse en la mejor opción para aproximarse al arte del franco-argelino.

"Live" funciona en dos planos paralelos. Por un lado se puede disfrutar como la compilación perfecta de la etapa dorada de Taha. Construído a base de los mejores materiales de "Made in Medina" (2000) y "Diwân" (1998), más dos temas más antiguos, es una magnífica síntesis para introducirse en su música. La pulcritud, precisión y ardor de las interpretaciones corrobora esta idea y anuncia la segunda. Y es que por otra parte "Live" es la excusa perfecta para disfrutar de unas composiciones que con el directo ganan en virulencia y pegada. Las guitarras eléctricas suenan más vivas y crujientes que en sus discos de estudio. Las percusiones te sacuden inmisericordes. Y en los momentos de juerga electrónica, nos encontramos a un Taha más libre y avasallador si cabe.




Está claro que los discos en directo suelen ser decepcionantes porque no pueden capturar toda la inmensidad de la experiencia, ese sonido inmenso que sólo podremos disfrutar in situ. Es cierto, y este seguro que tampoco lo logra, pero al menos demuestra que sólo un cachito del directo de Rachid Taha ya es algo enorme. De ahí el valor de esta obra, para mí, el mejor disco de este artistazo y una de esas escasas grabaciones en directo que merecen de verdad la pena.

martes, 5 de julio de 2016

momentazo #295: electroshock en la medina



Made in Medina (Rachid Taha, 2000)

Después de un ejercicio de corte más tradicionalista, Taha vuelve a refocilarse en el rock de su juventud y lo fusiona con sus raíces para dar con un disco de rock arábigo en toda regla. Para ello apela a Led Zeppelin y al veneno de los riffs en bucle, además de a esa rítmica obsesiva levantamuertos que lo ha hecho famoso.

"Made in Medina" es un ejercicio más intenso que su predecesor, "Diwân" (1998), quizás por estar formado por composiciones originales del franco-argelino. Un artefacto fabricado para nutrir sus intensos directos, los cuales no volvieron a ser iguales tras poder contar con el poder atávico de trallazos como "Barra Barra", "Foqt Foqt" o ese monumento discotequero con el que cierra, "Garab", épica electrónica ideal para clausurar sus conciertos. Algo que quedaría refrendado en el posterior "Live" (2001).


Y no es que el disco no tenga defectos, lo que pasa es que no me queda claro si estos son tal o entra en juego nuestra estrechez de miras occidental. Las canciones siguen siendo repetitivas y largas como ríos y eso puede llegar a cansar. Problema nuestro, seguro. Si lo superamos lo veremos meridiano. Rachid Taha sigue volando a gran altura.

lunes, 4 de julio de 2016

trick or trick? #73: el colapso, ahora



Collapse into Now (R.E.M., 2011)

El colofón de la carrera de R.E.M. es un disco, como se esperaba, decepcionante. Llevaban años sin ofrecer nada que se acercara al nivel esperado y este "Collapse into Now" no deja de ser un intento de despedida digna que a todas luces sobra dentro de su discografía.

Si "Accelerate" nos mostró a una banda engrasada y con ganas de juerga, este nos la muestra en su momento de bajón más deprimente. Para despedirse facturan un disco donde la melancolía torna en anemia y donde la reflexión muta en bostezo. Y lo peor es que esto no es nada que choque. Ya se esperaba a pesar del algo esperanzador disco anterior. Este se acerca más a "Around the Sun", único disco de su canon que me parece aún peor y al que supera por muy poquito merced a esos conatos de vida que son "Überlin", "Oh My Heart", "Walk it Back" o "Blue", una nueva colaboración con Patti Smith, intensa y grande como de costumbre.


"Collapse into Now" no te va a enamorar ni te va a convertir en seguidor acérrimo. Es un error para olvidar, una prueba de lo difícil que es prolongar una carrera más allá de los límites de la inspiración. Acomodados en su pedestal, hace tiempo que R.E.M. toma copas con U2 y demás santones del pop. Ahora parece normal. Se nos olvida cuando en sus inicios enarbolaban la bandera de la revolución junto a luminarias como Black Flag, Hüsker Dü o Sonic Youth. Renovaron el rock americano y lo hicieron mucho más grande, por eso duele tanto ver a estos gigantes viviendo de las rentas. De ellos no lo esperábamos. Con lo bonito que es consumirse y que la mayoría elija apagarse poco a poco.